Rebecca, a Mulher Inesquecível

Estreia – 12/04/1940 (nos EUA) – O espanto e indignação com que alguns cinéfilos que valorizam o reconhecimento por prêmios recebem a notícia de que o londrino Alfred Hitchcock nunca venceu um Oscar é comparável apenas ao fato de que seu conterrâneo Charles Chaplin estar na mesma situação. Porém, antes de entrarmos na história de Rebecca em si, cumpre demonstrar não ser a Academia a única a ignorar aquele que hoje é considerado um gênio do cinema.

Ao relacionarmos o reconhecimento em vida de Hitchcock, observamos que apenas ao final da carreira do diretor os “entendidos” se deram conta da importância da obra deste. O Oscar, muito criticado por sobrepor razões comerciais à própria arte, não só foi o primeiro a dar aquele troféu de consolação pela filmografia do britânico em 1968, como indicou o mesmo em cinco oportunidades na categoria melhor diretor (1941 por Rebecca; 1944 por Um Barco e Nove Destinos; 1945 por Quando Fala o Coração; 1954 por Janela Indiscreta; e 1960 por Psicose). Seguiram os prêmios honorários ainda em 1968 pelo Sindicato dos Diretores; 1971 no BAFTA; 1972 no Globo de Ouro; e 1979 pelo American Film Institute. Enquanto que no campo das indicações, para citar as mais importantes, foram três no Festival de Cannes (1946 por Interlúdio; 1953 por A Tortura do Silêncio; e 1956 por O Homem que Sabia Demais), oito pelo Sindicato dos Diretores (sendo dois anos consecutivos por dois filmes); um ao Globo de Ouro (1973 por Frenesi) e uma ao Festival de Veneza em 1955 por Ladrão de Casaca. Venceu, sim, um Globo de Ouro em 1958 pelo seu programa Alfred Hitchcock Presents, pelo qual foi indicado duas vezes ao Emmy.

Dito tudo isso, resta claro que a injustiça com o diretor alcançou todos os festivais e premiações, sendo o reconhecimento do público muito maior do que dos seus iguais. Rebecca, A Mulher Inesquecível é a produção que fez as honras de colocar no currículo de Hitchcock um vencedor do Oscar de Melhor Filme, batendo Correspondente Estrangeiro (do mesmo diretor), Vinhas da Ira (uma das grandes obras de John Ford – que sairia vencedor como diretor), O Grande Ditador e Núpcias de Escândalo (que deu o Oscar de ator a James Stewart). Venceu também na categoria de Fotografia em Preto e Branco, com um estilo belíssimo de câmera acompanhando a ação, mesmo que quase sempre na perspectiva da personagem de Joan Fontaine. Foram outras nove indicações (Diretor, Ator, Atriz, Atriz Coadjuvante, Roteiro, Direção de Arte, Efeitos Especiais, Edição e Música) – interessante perceber que um ano após E O Vento Levou ser o primeiro filme colorido a vencer o prêmio principal, o campeão de lembranças ser um suspense em preto e branco – uma opção do diretor para manter a atmosfera do livro. O sucesso alcançado na Espanha, por exemplo, fez com que o casaco utilizado pela atriz Joan Fontaine no filme fosse apelidado de “rebeccas” expressão usada lá até hoje.

Trata-se do primeiro longa de Hitchcock produzido nos Estados Unidos (as fases da carreira do diretor serão trazidas de novo ao blog quando a retrospectiva da carreira dele ser nossa pauta. Tentamos isso com Woddy Allen ano passado sem sucesso, como pode ser observado. Os filmes foram vistos, mas os comentários não foram feitos). A transição entre os elementos da filmografia européia e o cinema-espetáculo que o consagrou em Hollywood fazem de suas produções da década de 1940 as mais atraentes até hoje. Apesar da indicação pelos Efeitos Especiais, Hitchcock ainda seguia com muito afinco seu mantra “câmera na mão, idéia na cabeça”. Isso pode ser observado desde o primeiro momento, quando há não apenas a introdução de um flashback, mas a conclusão a qual todo espectador chegará ao final – expediente usado no ano seguinte em Cidadão Kane, que em muitos elementos foi pioneiro, mas nesse foi apenas inovador, assim como na utilização de fotografia, chamada de deep focus.

Rebecca conta a história de um viúvo, “Maxim” de Winter (Laurence Olivier), que ao viajar para Monte Carlo se apaixona por uma jovem (Joan Fontaine) e encontra nessa paixão a oportunidade de superar a perda da esposa. Maxim é dono da mansão Manderley (apenas uma maquete nas tomadas externas) e antes de Hitchcock levar o espectador para lá com trinta minutos de filme, o terreno para o suspense é preparado com maestria pelo roteiro. A trama é envolvente de tal maneira que apenas quando assistido mais de uma vez percebe-se que ao longo da passagem por Monte Carlo, Rebecca possui apenas três personagens (o casal e a patroa da futura Sra. De Winter, que a contrata como dama-de-companhia para percorrer o mundo atrás de pessoas como ela, esnobes e mesquinhas da alta sociedade).

As bases do suspense são os diálogos envolventes e humor britânico, perdidos pelas produções de Hitchcock ao longo dos anos. O perfeccionismo de Hitchcock atinge o auge quando nas notas da produção podemos observar que o diretor escolheu o tipo de caligrafia certa para a personalidade de cada personagem. Enquanto a Sra. Van Hopper é autoritária, obsessiva e rude, Maxim é reflexivo e reservado. A atuação de Laurence Olivier é um bom começo para se conhecer a obra do, para muitos, maior ator britânico de todos os tempos – sua carreira será melhor tratada quando o blog falar sobre Hamlet, vencedor do Oscar que fechou a década de 1940 com chave de ouro. Maxim em Monte Carlo é agradável, galante, uma ótima companhia; já em Manderley, perto da sombra da falecida esposa, muda completamente de figura. Quando se observa que é sempre o mesmo homem que toma todas as iniciativas em justaposição ao mistério por trás de Rebecca, fica provado que o roteiro não engana o espectador em nenhum momento. Seus responsáveis foram Robert E. Sherwood, que venceria um Oscar por Os Melhores Anos de Nossas Vidas e Joan Harrison, indicado no mesmo ano também por Correspondente Estrangeiro. Eles perderam o prêmio para a comédia romântica Núpcias de Escândalo, o que hoje jamais seria admitido.

O romance avassalador dos dois se transforma em casamento, ambos ainda tomados por deslumbramentos. Ele pela inocência da amada, que um dia deveria ser perdida. Ela pelo luxo e a riqueza da nova vida. Quando a nova Sra. De Winter acreditava ter se livrado da maior vilã de sua vida, a Sra. Van Hopper (a expressão desta quando a empregada diz que vai se casar com um milionário já vale o filme), entra em cena a verdadeira viúva de Rebecca, a Sra. Danvers, interpretada por Judith Anderson em trabalho magnífico, indicado ao Oscar de atriz coadjuvante (perdeu para Jane Darwell, por Vinhas da Ira) e eleita uma das cinquenta maiores vilãs da história do cinema americano. A título de curiosidade, ela é dona de um passado misterioso revelado apenas no livro. O diretor deu instruções precisas para que a atriz quando estivesse em cena parecesse flutuar, contrapondo o nervosismo da personagem de Joan Fontaine (e jamais piscasse os olhos). Ela faz mais, entregando uma psicótica, sempre com os olhos vidrados ao se lembrar da falecida patroa. De fato, o antagonismo da Sra. Danvers, se comportando como dona da casa enquanto a verdadeira convive com a dura missão de substituir aquela que todos juram ser insubstituível, é o melhor elemento do filme. Tanto é verdade que ao ser chamada de Sra. De Winter, a mesma se confunde e diz não ser ela. A necessidade inicial de se adaptar ao lugar ao invés de deixar do seu jeito é o verdadeiro drama da mulher vivida por Joan Fontaine.

Fontaine, que após ser indicada ao Oscar em 1941 por Rebecca, venceu no ano seguinte por outro filme de Hitchcock (Suspeita), teve ao lado do diretor seus melhores trabalhos. Foi indicada mais uma vez em 1944 por De Amor Também se Morre e hoje está prestes a completar 94 anos. O papel de Sra. De Winter quase foge de suas mãos, pois Olivier pressionava os produtores para aceitar o teste feito por Vivien Leigh, com quem se casaria naquele ano. Por ter seu pedido negado, o ator tratou mal Fontaine ao longo das filmagens. Hitchcock viu ali uma oportunidade de tirar uma interpretação diferenciada da atriz e disse a ela que todas as pessoas no set a odiavam, deixando a mesma bastante constrangida. Já Judith Anderson ficaria conhecida dos fãs de ficção científica por sua participação na série Jornada nas Estrelas e dos fãs de faroeste por integrar o elenco de Um Homem Chamado Cavalo. Porém, nenhum papel de destaque como a Sra. Danvers. Destaca-se ainda no elenco as rápidas passagens de George Sanders como o Sr. Favell – papel que não merece ser descrito para não estragar as surpresas do longa – cujo melhor trabalho se daria dez anos depois por A Malvada, papel que lhe daria um Oscar de Ator Coadjuvante.

Rebecca é uma história digna de ser adaptada para o cinema. Alfred Hitchcock só conseguiu os direito do romance de Daphne du Maurier quando Hollywood o convidou para integrar o time de diretores da indústria. A autora ainda teria mais dois romances adaptados com sucesso para as telonas: Os Pássaros, pelo próprio Hitchcock e Inverno de Sangue em Veneza. Antes de Rebecca, o diretor inglês já havia adaptado Jamaica Inn da mesma escritora. O trunfo de sua narrativa é a que a revelação do suspense não põe termo à história. No longa esse momento acontece com uma hora e meia, quando o “barco” da segunda esposa do Sr. De Winter está quase afundando – momento semelhante aconteceria com o próprio mais para o fim. Rebecca se sustenta numa terceira parte em que o roteiro vira de maneira espetacular, marcada por uma cena de dez minutos que Laurence Olivier conduz com maestria. Não é a toa que o longa é considerado um dos cem mais emocionantes do cinema americano. Esse divisor de águas inesperado é apenas a cereja do bolo de um filme, assim como Rebecca, inesquecível. Nota 9

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Do Mundo Nada se Leva

Estreia – 23/8/1938 (nos EUA) – A maneira otimista com a qual Frank Capra tratava as vítimas da profunda crise financeira nos Estados Unidos da década de 1930 foi a responsável por dar o diretor um espaço nobre na lista dos grandes da Era de Ouro de Hollywood. Do Mundo Nada se Leva não envelheceu com o mesmo status de grande clássico como outras obras já comentadas no blog (Aconteceu Naquela Noite e A Felicidade Não se Compra), sendo lembrada mais pelo prêmio principal na noite do Oscar de 1939 do que por sua qualidade.

Foram sete as indicações para o longa, que perdeu em Roteiro, Atriz Coadjuvante, Fotografia, Edição e Som; porém, além do melhor Filme, deu a Frank Capra seu terceiro Oscar em quatro indicações como diretor (ele perdeu em 1934 por Dama por um Dia, venceu em 1935 por Aconteceu Naquela Noite e 1937 por O Galante Mr. Deeds. Seria indicado ainda em 1940 por A Mulher Faz o Homem e 1947 por A Felicidade Não se Compra). Porém, não foi tão fácil sair vencedor naquele ano, eis que o Sindicato dos Diretores e o dos Produtores estavam em guerra à época da cerimônia e ameaçavam um grande boicote. Capra era justamente o Presidente da Academia e não só contornou o problema como foi o grande ganhador – cujos prêmios, por sinal, devem ser questionados, já que é de se perguntar se membros da Academia não se sentiriam intimidados a votar no seu Presidente. Do Mundo Nada se Leva bateu Com os Braços Abertos e Jezebel, que deu Oscar de atuação para Spencer Tracy e Bette Davis, respectivamente; além de As Aventuras de Robin Hood, clássico em Tecnicolor que imortalizaria Errol Flynn.

O carinho dado a essa obra pelo diretor merece ser ressaltado. Ao assistir à peça que deu origem a Do Mundo Nada se Leva um ano antes em Nova York – quando lá esteve para o lançamento de O Horizonte Perdido – imediatamente desejou filmá-lo. Azar do chefão da Columbia Harry Cohn, que perdeu a queda-de-braço com Capra por duas vezes: na conturbada edição final de Horizonte Perdido e no pagamento da alta quantia (até para os dias de hoje) de duzentos mil dólares pelos direito de Do Mundo Nada se Leva.

Talvez levado por uma onda de perfeccionismo, Capra utilizou mais de cem mil metros de filme, quando um filme nessa época gastava menos de três mil. Já a quantidade de personagens, que na peça é de 19, no filme é de 153. Numa delas, a dançarina de balé perturbada vivida por uma talentosa Ann Miller de apenas quinze anos, é possível observar o grau de exigência do diretor. A atriz faz passos de balé completos e, dizem, sofreu tanto nas gravações que vivia chorando de dor quando não estava em cena. James Stewart ficou responsável em fazer a vida da menina um pouco melhor e enviava caixas e mais caixas de doces para ela. Quando o longa foi lançado, a peça já havia vencido o prêmio Pulitzer de 1937 e estava sendo encenada na Broadway. Seus autores foram George S. Kaufman, roteirista de alguns dos clássicos dos Irmãos Marx, como Uma Noite na Ópera; e Moss Hart – roteirista de um dos meus filmes preferidos da década de 1940, A Luz é para Todos e da versão de 1936 de Melodia na Broadway, obras que renderam indicações ao Oscar ao segundo.

Talvez a culpa seja do trato dado à trama, hoje um imenso clichê por culpa de uma infinidade de obras posteriores. Trata-se de um o roteiro sobre chefe de família que se nega a vender sua casa para milionário que deseja construir ali uma grande indústria. O milionário Sr. Kirby, vivido por Edward Arnold, precisa conviver não só com a negativa da venda da família Sycamore, mas também com o noivado de seu filho Tony (um jovem James Stewart em vias de ir para a Segunda Guerra Mundial – ele foi o primeiro a se alistar na Força Aérea em1941 – e em sua primeira parceria com Capra) e a filha do homem que não aceita se mudar Alice (Jean Arthur, que voltaria a trabalhar com Capra e Stewart em A Mulher Faz o Homem).

Capra não aprofundou pontos que costumeiramente destrinchava em seus filmes, como os pontos negativos na criação de monopólios, principalmente na indústria bélica. Até mesmo a relação familiar e o choque de comportamentos entre os Kirby, alta sociedade carregada de pré-conceitos e os Sycamore, felizes no meio de suas diferenças e maluquices, poderia ser mais explorada. Uma das cenas mais interessantes, (mostrada no vídeo ao final do texto) a do contador mostrado como homem-máquina, que larga tudo para viver seu sonho de ser inventor na casa da família de Alice, é aquela que mais aproxima a mensagem de Do Mundo Nada se Leva a de A Mulher Faz o Homem e A Felicidade Não se Compra. O roteirista Robert Riskin estava bem melhor em Aconteceu Naquela Noite (que lhe rendeu um Oscar) sendo dele também A Dama por um Dia, O Galante Mr. Deeds e Órfãos da Tempestade – filmes que lhe renderam indicações, todos do mesmo nível de Do Mundo Nada se Leva.

Até mesmo as piadas soam datadas e o humor físico remete a outra obra do diretor, Este Mundo é um Hospício, lançada seis anos depois e hoje também menos citada. Como sempre Capra levava às telas o que o cidadão norte americano desejava ver. Em momentos de crise, a valorização de bens extrapatrimoniais, como a lembrança da esposa que já se foi. Além disso, a diminuição a confiança em governos e nos mais endinheirados (o Sr. Kirby orgulha-se em não pagar impostos nos últimos vinte e dois anos) ao mesmo tempo em que ideais são trocados por uma vida mais estável.

Do Mundo Nada se Leva só é entendido quando se imaginava a frustração de um povo acostumado a viver com qualidade, consumindo sem moderação ao passar por uma grave crise. Infelizmente no atual transtorno econômico que América do Norte e Europa hoje vivem não há pessoas com a qualidade de Frank Capra para produzir conteúdos desta natureza (ou talvez seja muito cedo para afirmar tal coisa).

Protagonistas como o Sr. Kirby, que só venceu na vida para abdicar de coisas simples dela (como tocar gaita) sempre alcançam uma digna redenção em exemplares da Era de Ouro. Mesmo assim, a opção por privilegiar a comédia e aproximar o longa de uma peça de teatro (até porque foi adaptada de uma), com ação quase toda acontecendo em um só lugar, faz de Do Mundo Nada se Leva uma obra menos atraente aos olhos dos cinéfilos atuais, apesar dos nomes de peso citados nesse texto que participaram de alguma forma do filme. Mesmo assim, ainda não o suficiente para ser ignorada. Nota 6

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Émile Zola

Estreia – 2/10/1937 (nos EUA) – A Warner estava se tornando o estúdio mais popular de Hollywood e colhia frutos da aposta de trazer biografias de personalidades mundiais do século XIX. A Academia já havia reconhecido a qualidade desses filmes dois anos antes, com A História de Louis Pasteur. O longa, dirigido por William Dieterle e com Paul Muni no papel principal, foi indicado ao prêmio de Melhor Filme e venceu nas categorias de Ator, Roteiro e Roteiro Original (Muni também venceu o prêmio por sua atuação no Festival de Veneza).

Émile Zola (também chamado de A Vida de Émile Zola) repete a dobradinha Dieterle-Muni mais uma vez para contar a história do escritor francês. O diretor alemão, que desembarcou em Hollywood em 1931 e já chegou chutando a porta com Kismet (refilmado treze anos depois), se juntaria a Charles Laughton para a versão definitiva de O Corcunda de Notre Dame e produziria bons clássicos como Salomé e No Caminho dos Elefantes. Porém, com Émile Zola ele conseguiria sua única indicação ao Oscar. O ator seria lembrado pela quarta vez em cinco anos, mas sua filmografia não seria tão extensa quanto o seu talento. Porém, ele ainda seria apontado mais uma vez em 1960 por Rebeldia de um Bravo. Engraçado que Émile Zola foi filmado de trás para frente já que Muni tinha a barba branca que depois seria escurecida nas últimas cenas (que na verdade são as primeiras, entendeu?).

É claro que Émile Zola fica prejudicado ao ser comparado com Ziegfeld, O Criador de Estrelas, último filme que assisti antes dele. São duas biografias primorosas, mas a qualidade da produção que conta a vida do produtor de teatro americano (indiscutivelmente menos relevante culturalmente que Zola) deixa a Warner no chinelo. O encanto começa a se quebrar quando os créditos, ao anunciar que fomos transportados para a Paris de 1862, informa que há fragmentos ficcionais na história a ser contada. Isso envelhece o filme, já que é uma difícil tarefa hoje em dia identificar quem realmente existiu em meio àqueles personagens (exclui-se Paul Cézzane e Émile Zola).

As imagens do DVD revelam que a produção do longa vencedor do Oscar de 1938 é menor (ou o trabalho de preservação dos negativos foi menos eficiente que os três ou quatro vencedores anteriores). Só deve ser impressão porque o longa saiu vencedor dos prêmios de Filme, Roteiro e Ator Coadjuvante (Joseph Schildkraut) e foi indicado para Diretor, Ator, Direção de Arte, Assistente de Direção, Som, Trilha Sonora e Roteiro Original. É verdade que os jovens Cézzane e Zola vivendo de sonhos na Paris de meados do século XIX desperta imediato interesse. Porém, a carreira do escritor começa a entrar nos eixos quando sua mãe e noiva conseguem um emprego em uma editora, onde ele poderia ganhar com o exercício de sua arte. Mesmo vivendo com dificuldades, Zola continua escrevendo sem abandonar seu estilo, na estética do desagradável e retratando os sofridos drama da população mais humilde.

Com esse ideal de descrever as mazelas do povo, demonstrando um fortíssimo sentimento de humanidade, Zola atinge o sucesso com o lançamento de Nana, mulher com drama pessoal muito forte. Até esse ponto somos presenteados com uma atuação contida, primando pela serenidade, de Paul Muni. Nessa primeira metade ainda há espaço para discutir o que o roteiro chama de “espólio da guerra” e que no fundo é aquela mensagem de sempre de um país entrar em um conflito baseado em factoides e mentiras (já tratados aqui no blog quando comentamos Cavalgada, Sem Novidades no Front, entre outros).

Na sequencia da carreira, Zola lança A Derrocada, Germinal e vai publicando outros livros, sempre com um discurso politizado e colecionando sucessos. Porém, essa biografia ligeira prepara o terreno para tratar de um fato específico da vida do escritor. É nesse momento que o roteiro se perde um pouco. A montagem e edição esquece que estamos diante da vida de Émile Zola e joga na tela o episódio de um vazamento de informações no Exército Francês. Os oficiais condenam um bode expiatório para manter a credibilidade das Forças Armadas perante o povo e o coitado vai para o exílio. Essa ponta solta deixa a impressão de que a história do longa poderia ser um pouco melhor. Paul Cézzane é pouco explorado mas é da boca dele saem pérolas como a teoria de que o artista deve permanecer pobre, para que seu estômago e talento não fique inchado e empanturrado. (mesmo que você não concorde).

Depois disso o roteiro se limita a mostrar a luta da esposa do oficial e de Zola para, três anos depois, provar a inocência do homem. Utilizar o escritor como último recurso fez com que este perdesse sua credibilidade perante a nação francesa, que opta por acreditar até o fim no discurso oficial. É justamente motivado pelas palavras de Cézzane que Zola (com um Paul Muni envelhecido porém com mais vigor) troca a glória da Academia Francesa de Letras pela última e mais difícil defesa de sua vida. Zola mostra que além de grande escritor possuía oratória privilegiada.

Com aproximadamente uma hora e vinte minutos já com a população se revoltando contra o biografado e queimando seus livros em praça pública, o longa se atém na Corte Marcial e vira, por alguns momentos, um filme de tribunal (e longe dos melhores). Todavia, os julgadores parecem dispostos a mudar a história oficial e absolver tardiamente o homem. Já Zola, que com o passar do tempo fica menos falante, acha forças para lutar contra o Tribunal, o Exército e o Estado, que utilizam todas as armas para que a decisão seja mantida.

Os vinte minutos finais mostram a disposição de um Zola derrotado em transformar o que parecia o fim de uma guerra em o início de uma nova batalha. Utilizando novamente da escrita e exilado em Londres, seus textos provocam uma pressão por parte da opinião pública que passa a exigir uma nova investigação. A cena da libertação do injustiçado é marcante (o ator Joseph Schildkraut, não acreditando no que lhe acontece, entra e sai da sua cela diversas vezes em cena que o ajudou muito a levar a estatueta para a casa). Porém (e como sempre) a graça dos clássicos fica por conta do epílogo. Em um lindo discurso ficamos sabendo porque Émile Zola conseguiu se tornar inesquecível em um país tão rico em ídolos como a França.

Para ficar “só” com a última frase, Zola foi “um monumento da consciência humana”. Repito, é um lindo discurso. Pena que o jeito de produção pequena e um claro envelhecimento no ritmo e na linguagem faça com que Émile Zola se perca em meio a clássicos esplendorosos. Nota 7

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Ziegfeld, O Criador de Estrelas

Estreia – 8/4/1936 (nos EUA) – Quando Frank Capra começava a ganhar maior destaque em Hollywood com o lançamento de O Galante Mr. Deeds, a Academia decidiu no ano de 1937 premiar essa grandiosa produção do, à época, recém-falecido produtor da Broadway, Florenz Ziegfeld Jr., interpretado por William Powell de maneira correta (ele foi indicado no ano anterior por A Ceia dos Acusados e no seguinte por Irene, A Teimosa. Outra indicação viria em 1948 por Nossa Vida com Papai) e dirigido pelo já badalado Robert Z. Leonard (indicado os Oscar sete anos antes por A Divorciada, indicado novamente aqui e lembrando também na edição de 1936 do Festival de Veneza que na época possuía o famigerado nome de troféu Mussolini).

Ziegfled, o Criador de Estrelas venceria os prêmios da Academia de Melhor Filme, Atriz (Luise Rainer) e Direção de Dança, com indicações para Diretor, Roteiro Original (William Anthony McGuire), Edição e Direção de Arte. Os cinco minutos de abertura antes dos créditos entregam que se trata de uma fita longa, porém retratando uma biografia completa. O prólogo menos prestigioso quando, no início de carreira, Ziegfeld deixou para trás a família (o pai era professor de música erudita) e optou pelo mundo do entretenimento diverte fácil. Já em 1893, na cena da Feira de Chicago, fica claro que Ziegfeld, é aventureiro, gosta de apostar, é sonhador (tudo no bom sentido) e possui uma facilidade de comunicação absurda. O primeiro grande sucesso dele, Sandow, “o homem mais forte do mundo” é apontado hoje como o criador do Bodybuilding e é um marcante exemplo.

Observa-se logo no início que estamos diante de um exemplar muito comum no cinema de Hollywood, pois se trata de uma biografia leve, informativa, que mistura bom humor com emoção, bem no estilo Walt Disney de “uma lágrima para cada sorriso”. Já de cara somos apresentados a Jack Billings, amigo e concorrente de Florenz. Frank Morgan, indicado ao Oscar duas vezes por As Aventuras de Cellini (1934) e como coadjuvante por Boêmios Errantes (1942), interpreta o outro produtor muito bem e rouba a cena em alguns momentos com sua marcante presença. Claro que o roteiro é chapa-branca (dizem que fidelidade não era uma característica de Ziegfeld), mas o longa do homem que fica rico em um dia e está falido no outro é nada menos que adorável.

Os direitos da história foram comprados pela Universal frente à viúva de Florenz, Billie Burke (que interpretaria ela mesma). Porém, como o estúdio não conseguia mais pagar a produção e queria filmar aquela que seria a primeira versão de O Barco das Ilusões, houve uma venda de roteiro para a MGM, já na época de pré-produção. Billy Burke, Judy Garland e Eddie Cantor foram afastados do elenco e a MGM sairia ganhando duas vezes, já que quinze anos depois compraria os direitos e produziria uma refilmagem de O Barco das Ilusões, em versão definitiva e ainda seria a responsável pelo grande sucesso de O Criador de Estrelas.

Ziegfeld também dá a oportunidade de apresentar a parte do público grandes estrelas e números da Broadway. O grande destaque é a presença de Fanny Brice interpretando ela mesma. Brice era conhecida por ter uma bela voz, mas ser muito feia. Fanny supria a ausência de beleza sendo incrivelmente engraçada e fez época nos palcos de Nova Iorque sendo objeto de outra biografia, décadas depois, estrelada por Barbra Streissand.

O produtor possuía persona muito interessante. Detentor de uma abordagem típica, ele acabava por ganhar todos os talentos e mulheres de Billings. Tinha a capacidade de se adaptar e movimentar dinheiro para conseguir seus objetivos, sempre em prol da arte. O primeiro grande amor da vida de Ziegfeld, Anna Held (Luise Rainer que nunca havia ouvido falar sobre a figura que interpretaria) entra na vida do protagonista em Londres, quando o biografado, sem dinheiro, pede ajuda ao concorrente em viagem para conhecer a francesa que começava a fazer sucessos nos teatros londrinos. Rainer realmente se destaca e seu prêmio foi merecido. No ano seguinte ela repetiria a façanha pelo longa Terra dos Deuses, sendo a primeira atriz a vencer dois Oscars em sequência (feito igualado apenas por Katherine Hepburn).

Trata-se de um filme musical, mas todas as inserções típicas do gênero ficam por conta da reconstituição de shows da Broadway. É de Rainer o primeiro número, Won’t You Come And Play With Me?, seguido de uma das melhores cenas do longa: quando Ziegfeld faz Anna se convencer a ser contratada (e toda hora ela mandava ele sair do camarim, olhava para as flores que ele enviou com o dinheiro de Billings, e mandava voltar).

A atriz continua brilhando no número de It’s Delightful do Be Married, que mostra os problemas de Held com a dicção e como isso atrapalhou o início de sua carreira junto ao exigente público americano. Nesse momento já fica claro que Ziegfeld, O Criador de Estrelas é uma fita necessária aos fãs e admiradores da Broadway (eu nem posso me considerar um porque infelizmente nunca fui lá).

Com pouco mais de uma hora de filme somos apresentados à idéia que mudaria a história do teatro dos Estados Unidos: as Follies de Ziegfeld. Para quem não conhece, as Follies eram uma espécie de teatro de revista (que foram bem populares aqui no Brasil também). A idéia do produtor de apresentar um show mais dinâmico, com esquetes de humor permeando as músicas, abriu espaço para o surgimento de grandes artistas americanos, como Eddie Cantor (que se apresentava com o rosto pintado, que nem Al Johnson e é homenageado no filme com o ator Buddy Doyle interpretando If You Knew Suzie, um de seus maiores sucessos) e Will Rogers (que fazia o estilo caipira e descobriu com Ziegfeld seu timing de humor).

Porém, o grande número da primeira metade é justamente aquele que marca o Entreato, A Pretty Girl is Like a Melody. A cena começa simples, com apenas um cantor, o palco vai girando, girando, mostrando uma infinidade de dançarinos, cada um com figurino diferente, canções que passam da valsa para a ópera e termina grandioso, quase como uma epopéia musical. Algo que deve ter sido um assombro no teatro no início do século e nos cinemas na década de 1930. Uma cena muito difícil e bem realizada em apenas dois takes após semanas de ensaios contando com 180 atores e a um custo de 220 mil dólares, algo absurdo para a época e muito mais do que o próprio Ziegfeld gastou para produzir aquele show todo. No final, o custo total do longa em 2 milhões de dólares, atualizados pela inflação, chegariam ao valor de 40 milhões.

Todavia, depois da Intermissão Ziegfeld, O Criador de Estrelas pode se tornar cansativo para alguns. Logo de cara temos quatro apresentações musicais em sequência. O objetivo é mostrar a versatilidade do teatro norte-americano, por isso temos um número em que o palco se mexe (alta produção), outra onde Ray Bolger (vivido por ele mesmo e uma pena que tenha sido pouco explorado) dá um show de sapateado, um terceiro com um instrumental clássico e extremamente romântico e o quarto com uma coreografia que é um assombro de tão bem feita. São quinze minutos de arte pura, mas que pode (e deverá) desagradar muita gente.

Ao final do número a estrela do espetáculo, visivelmente embriagada, tenta desmoralizar Ziegfeld que não se faz de rogado e dá um corretivo sutil na moça na frente da platéia. Mais à frente entra em cena Fanny Brice, em cena muito semelhante à do filme que retratou sua própria vida. Aqui ela interpreta três canções e é com ela que o biografado realiza sua última Follies. Com essa fase da carreira, termina também seu casamento com Anna Held. O homem, que tinha uma incrível capacidade de reinventar sua carreira, teria que criar uma nova vida dentro de casa. Está aberto o caminho para a entrada de Myrna Loy na quarta das catorze parcerias que faria na carreira com William Powell e no ano em que seria eleita Rainha do Cinema (e Clark Gable o Rei). A Academia, porém, não se lembraria de Loy até 1991 quando esta receberia um Oscar honorário dois anos antes de sua morte, aos 89 anos.

A estrela só surge com duas horas e quinze minutos de projeção, mas é responsável por retratar Billie Burke, segundo e último grande amor de Ziegfeld. O produtor, já com o coração mais mole por conta da idade, viveria com maior intensidade esse romance. Já o filme traz com o número musical do circo seu canto do cisne, retratando um show bolado por Ziegfeld e sua filha de aproximadamente cinco anos. Mais uma cena bem realizada, porém longa para alguns. É importante que se diga que o canto do cisne é do filme e não da carreira do biografado, que mesmo exagerando na extravagância da produção de suas peças e perdendo muito patrocínio, viveria ainda o auge de sua carreira, com quatro shows de sucesso na Broadway ao mesmo tempo.

Porém, quis o destino que o homem que nunca juntou dinheiro, fizesse isso no outono da vida investindo tudo em ações. Hollywood, como se exorcizasse o demônio da Crise de 1929, nos trouxe mais uma história que não termina tão bem quanto merecia por conta de fatores econômicos. Incrível como os filmes antigos possuíam finais grandiosos (e não essa coisa aberta que a maioria nos traz hoje) e a cena do Ziegfeld moribundo, ainda na tentativa de criar shows novos ao lado de Billings, impressiona. Com a linda cena de um cortejo imaginado pelo produtor, surgem os créditos desse filme que é pouco visto, pouco badalado, mas não muito distante de uma biografia perfeita (a primeira, de muitas, a vencer o Oscar de Melhor Filme). Nota 9

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O Grande Motim (1935)

Estreia – 22/11/1935 (nos EUA) – O Grande Motim já foi re-filmado em 1962 (sendo protagonizado simplesmente por Marlon Brando). Como o assunto do momento aqui no blog é a maratona dos filmes vencedores do Oscar de Melhor Filme, deixo para fazer comparações em outra época (o mesmo serve para Cimarron e outros que estão por vir, como A Grande Ilusão). Limito-me a dizer que enquanto a (nem tão) enxuta versão de 1935 venceu o prêmio principal da Academia (indicações: Melhor Ator – três vezes, Diretor, Roteiro, Edição e Trilha Sonora), a refilmagem de mais de três horas de duração saiu da festa de 1963 de mãos abanando, apesar de lembranças nas categorias Filme, Direção de Arte, Fotografia, Efeitos Especiais, Edição, Canção e Trilha Sonora.

O filme conta a história do navio Bounty, da Marinha Britânica, em sua viagem ao Taiti em busca de suprimentos baratos para alimentar os escravos nas colônias inglesas. O evento, de veracidade contestada, foi um marco na luta pelos direitos dos marinheiros, que não se apresentavam voluntariamente, mas eram recrutados em nome do Rei.

Depois de um panorama histórico sucinto (incrível como os filmes antigos possuíam prólogos mais simples e eficientes que os de hoje), o espectador é apresentado a Christian (Clark Gable, sem seu clássico bigodinho já que a Marinha Britânica à época em que se passava a trama não o permitiria). Ele era o responsável por invadir bares e “recolher” homens que passariam os dois anos seguintes na missão do Bounty acima relatada. Viveriam em meio a uma rígida disciplina e hierarquia, somados a péssimas condições de trabalho e desrespeito da maioria dos oficiais.

Porém, o sentimento de que O Grande Motim realmente começou ocorre na entrada de Capitão Bligh (soberbamente interpretado por Charles Laughton) em cena. O confronto entre um Christian mais humanista, quase que ensinando aqueles homens a serem verdadeiros bucaneiros e um Bligh que de posse de um chicote se auto-intitulava “Capitão, Juiz e Júri” é o destaque da primeira metade. A origem do motim é justamente a forma selvagem com que Bligh tratava seus subordinados, contrariando até os outros oficiais, verdadeiros formadores de opinião em meio àquela micro-sociedade que era o Bounty.

Quase que a dupla de astros vira um trio, já que Cary Grant estava certo para fazer o papel de Byam. Porém, a Paramount não liberou o ator. Quem ganhou com isso foi Franchot Tone, que além do papel foi indicado ao Oscar de Melhor Ator ao lado dos dois líderes do elenco. Aliás, com essas três lembranças na mesma categoria (feito nunca mais igualado) a Academia decidiu, no ano seguinte, criar troféu para os coadjuvantes, dividindo em quatro os prêmios relacionados a atuações (os três perderam o Oscar para Victor McLaglen de O Delator, que nunca assisti, mas não creio que tenha feito trabalho melhor que o de Laughton). Lembrando que Gable à época era o atual vencedor do prêmio da Academia por Aconteceu Naquela Noite e astro absoluto tendo filmado quarenta filmes nos dez anos anteriores. Já Charles Laughton havia vencido dois anos antes por Os Amores de Henrique VIII, mas ainda faria talvez seu filme mais marcante: O Corcunda de Notre Dame.

Notas de produção indicam que Tone e Gable, antes de se conhecerem, não iram muito com a cara um do outro já que anos antes brigaram pelo amor de Joan Crawford. Como os dois eram mulherengos e beberrões, as filmagens de O Grande Motim foram o início de uma grande amizade. História mais escabrosa fica por conta da escalação da dupla Gable-Laughton. Depois que Wallace Berry se negou a interpretar Bligh justamente por não gostar do astro com bigodinho ridículo, o excelente produtor Irving Thalberg (sempre citado aqui no blog) teve o insight de escalar Clark Gable, notório homofóbico ao lado de Charles Laghton, notório homossexual, para viverem antagonistas. O intérprete de Capitão Bligh tinha medo de mar e passou o filme todo enjoado (talvez isso explique um pouco sua cara de poucos amigos e vontade de vomitar durante toda a projeção). Brincadeiras à parte, Laughton se sentiu tão à vontade no papel de Bligh que o diretor Frank Lloyd quis por muitos anos fazer uma continuação (o livro é o primeiro de uma trilogia) de nome “Capitão Bligh” mas nunca conseguiu. Hoje com Hollywood seca por continuações, a história seria diferente.

Com a chegada ao Taiti (com aproximadamente cinqüenta minutos), O Grande Motim ganha movimento, com belas imagens daquele lugar de sonhos, com peixes e frutas em abundância – sem a influência do dinheiro e cercado de belas mulheres. A produção do longa, de pouco mais de dois milhões de dólares, foi a mais cara da história da MGM até então. O espetáculo visual transformou o filme no primeiro campeão de indicações do Oscar, mas rendeu um acidente fatal e outros tantos de menor gravidade nos sets de filmagens gigantes. A fita é toda bem filmada (qualidade técnica maior até que Sem Novidades no Front, porém este impressiona mais hoje) e mesmo parecendo datada envelheceu de maneira satisfatória.

Na volta ao navio, os marinheiros têm que conviver com a volta das chicotadas. Bligh não suporta ver a alegria daqueles homens (muitos viveram romances na ilha) e, para manter vivas as centenas de mudas de fruta-pão trazidas do Taiti, corta o suprimento de água da tripulação (além de exigir que todos entreguem para a Coroa Britânica as lembranças trazidas). A construção de personagem feita por Laughton é incrível e este se destaca ainda mais nos quarenta minutos finais, onde é mostrado o motim de fato e quando o Capitão é colocado em um bote a 3.500 milhas de terra firme. Sua revolta com a insubordinação e seu desejo de vingança preenchem a tela e me faz perguntar o porquê de filmes de aventura atualmente não produzirem grandes interpretações como essa.

O roteiro a seis mãos (adaptação de um livro) é excelente, mas a direção de Frank Lloyd é que merece ser destacada. O mestre já havia vencido dois Oscars (inclusive um por Cavalgada, que já foi objeto da maratona do blog) e receberia sua última indicação na carreira. A demonstração da qualidade de seu trabalho pode ser observada na ação frenética dos últimos vinte minutos. Já o que de melhor faz o roteiro é deixar como mensagem direta o desejo incontrolável de todo e qualquer homem de ser escravo. Nota 9

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Cavalgada

Estreia – 15/04/1933 (nos EUA) – Os créditos iniciais entregam que o roteiro de Cavalgada conta a história de infelicidade e infortúnio de uma família sob os olhos de mães e filhas na Inglaterra do início do século XX (passagem de tempo que lembra Cimarron, transferindo a ação do Velho Oeste Americano para a terra da Rainha).

Na virada de 1899 para o ano 1900 os ingleses se preparavam para enviar um novo lote de soldados para a longínqua África do Sul em uma fase muito particular dessa nação. Aquele povo estava prestes a assistir os ex-colonizados do Novo Continente superar a ex-metrópole e se tornar a maior potência mundial. Todavia, naquele final de 1899, a maioria estava preocupada com os filhos, pais e maridos que caminhavam para mais uma guerra inútil.

Cavalgada é mais um dos vencedores do Oscar de Melhor Filme a pregar uma mensagem antibélica, criticando a falsa promessa do conflito breve para obter adesão popular, lição que foi muito bem passada em Sem Novidades no Front (que se utiliza o povo alemão). O sofrimento daqueles soldados que viajavam mais de quinze dias pelo mar só para chegarem ao local do conflito não é muito explorada, já que o roteiro cobre mais de trinta anos de História. Isso criou um corte interessante em Cavalgada: da bela e imponente cena de despedida dos soldados para o desespero das mulheres procurando nome de familiares na lista dos mortos, constantemente atualizadas.

O longa é mais uma adaptação de uma peça (que custou US$ 100 mil para o estúdio), com o diferencial de que boa parte da trilha utilizada foi trazida do teatro. E justamente um dos destaques de Cavalgada são as canções e melodias – muitas que qualquer espectador reconhece nos primeiros acordes. Pena que o filme foi pouco visto (a “Meca” dos portais de cinema, IMDB, não conseguiu juntar mil votos de internautas e You Tube não tem nenhum vídeo do filme), já que se trata de um dos primeiros exemplares do “cinemão” de Hollywood: takes grandiosos com trilha marcante, momentos de música e dança muito bem realizados e por aí vai.

Talvez o principal responsável por esse excelente resultado seja o diretor Frank Lloyd, que já estava ambientado com aquilo que o público americano queria ver no cinema, sendo Cavalgada seu 115º trabalho como diretor. Ele venceria seu segundo Oscar na carreira por este filme (o primeiro foi conquistado em 1930 por A Divina Dama) e seria lembrado mais uma vez dois anos depois por O Grande Motim (que venceria na categoria principal). Cavalgada ainda venceria Oscar de Direção de Arte e renderia uma indicação para a atriz Dyana Wynyard (Jane Marryot) – que é o centro dos acontecimentos e outro destaque da história. Quem também merece ser citado é o ator Clive Brook, já veterano à época, com 80 trabalhos no cinema.

A guerra com a África do Sul, como sempre, se arrasta. O retorno dos soldados puxa o drama para a roda e algumas cenas menores fazem o ritmo de Cavalgada cair um pouco. O corte para 1908 mostra o veterano de guerra alcoólatra naquele que seria o primeiro de muitas vítimas indiretas dos tempos de violência pela qual passava a Europa. Já em 1912 o casal em lua-de-mel inicia uma interessante discussão questionando a eternidade do amor e do casamento (moderno para a época, não?). Porém, uma revelação quando os dois saem de cena deve ter arrancado suspiros dos espectadores no cimema.

Claro que o miolo do filme serve apenas para ligar a batalha inicial entre a Inglaterra e África do Sul com a Primeira Guerra Mundial (1914-1918). Aos poucos Cavalgada vai crescendo de novo, mostrando o desenvolvimento bélico revolucionário (da espada para o revólver) e passando a limpo anos de importantes transformações que levariam, no final da década de 1930, a outra leva de mudanças permeada por sangrentas batalhas.

Há, porém, uma cena que se destaca das demais. A mãe recebendo a notícia da morte do filho e do fim da guerra, caminhando no meio da rua em um misto de emoções é inesquecível. A chegada da crise econômica abre espaço para uma linda canção, interpretada pela atriz Ursula Jeans no papel de Fanny Bridges. A música, em tom pessimista e forte, questiona o porquê do século XX se mostrar tão sombrio e triste nas duas primeiras décadas.

Outro ponto positivo é a utilização da maquiagem de envelhecimento dos atores, técnica que Hollywood sempre gostou de utilizar. Porém, a cereja do bolo (e sempre tem a cereja do bolo nos clássicos) acontece na virada de 1932 para 1933, quando a protagonista Jane Marryot faz um brinde ao futuro e ao passado de glórias e tristezas da Inglaterra. A fala final, voltada para o público, olhando fixamente a câmera, é linda e levanta a auto-estima de qualquer um que duvide de seu país. É quase uma demonstração de gratidão dos Estados Unidos ao povo que ajudou a molda-lo.

O roteiro de Cavalgada poderia ter um tom mais otimista. Todavia, as imagens do progresso (carros, aviões) podem ser interpretadas como uma boa forma de utilizar a constante evolução do mundo de forma positiva. A frase final, quase uma atualização da Igualdade, Liberdade e Fraternidade da Revolução Francesa, nunca foi seguida: dignidade, grandeza e paz. Mais uma vez ninguém aprenderia a lição. Pelo menos ganhamos outro grande filme. Nota 8

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Grand Hotel

Estreia - 11/09/1932 (nos EUA) Os créditos de Grand Hotel já revelam um elenco estelar (há relatos de tensões e quase conflitos entre tantos egos gigantes), naquele que talvez seja a primeira produção nesse sentido, juntando atores consagrados. Porém, o primeiro destaque dado pelo roteiro é ao porteiro que aguarda que sua mulher dê a luz. Depois, em rápida sequência dentro de cabines telefônicas, somos apresentados a alguns dos principais personagens da trama. Em seguida, a célebre frase "Grand Hotel... As pessoas vêm e vão e nunca acontece nada", proferida pelo Doutor interpretado por Lewis Stone.

O roteiro é uma adaptação de peça da Broadway de William A.Drake, que gerou quase 500 performances. A adaptação para os teatros da Alemanha, realizada por Vicki Baum também fez muito sucesso. Quase um esboço dos tão comentados e controversos filmes-mosaico, a gama de personagens apresentadas não se compara a longas como Magnólia e Short Cuts – Cenas da Vida. Porém, com roteiro centrado nos diálogos e interpretações cuidadosas, o filme se sustenta muito bem.

A fórmula seria muito utilizada (principalmente em comédias, sempre em um hotel) e aperfeiçoada, mas isso não diminui Grand Hotel, que foi produzido (apesar de ausente o devido crédito) pelo gênio Irving Thalberg, da primeira versão de Ben-Hur, A Divorciada, Tarzan - O Homem Macaco e que levaria os Irmãos Marx à sua melhor época com Uma Noite na Ópera e Um Dia nas Corridas. Além de Grand Hotel ele já havia produzido Melodia na Broadway e produziria outro vencedor do Oscar de melhor filme, O Grande Motim. Morreria com apenas 37 anos.

O destaque fica por conta de Otto Kringelein, magistralmente interpretado por Lionel Barrymore (Buster Keaton foi cogitado para o papel). O homem que descobre ter poucos dias de vida e decide torrar seu dinheiro no luxuoso hotel é sincero desde o início e responsável pelas melhores cenas. Claro que quando se tem Greta Garbo no elenco é difícil não destacá-la. Porém, sua Grusinskaya brilha sozinha, quase sempre em monólogos, interagindo pouco com os outros personagens. Com vinte minutos acontece sua primeira aparição, onde Garbo, em close, revela que "nunca esteve tão cansada na vida". A atriz, então com 26 anos, havia se destacado nos anos anteriores, sendo inclusive indicado ao Oscar em 1930 por dois filmes diferentes na mesma categoria. Ela só se cansaria mesmo uma década depois, quando abandonaria a carreira no auge. Outra frase dela iria para a lista das 100 maiores do cinema americano: "eu quero ficar sozinha", que achei menos “impactante”.

Com toques de ironia e boas tiradas (exemplo? "Não entendo nada de mulheres, estou casado a trinta anos”), a parte dramática de Grand Hotel fica em grande parte nas mãos de Greta Garbo. Um exemplo é quando a dançarina (uma maluca beleza, daquelas que todos conhecem), se nega a fazer seu número porque na noite anterior ela não havia sido aplaudida o suficiente. Nesses momentos o ar teatral pode cansar alguns espectadores. A coisa ganha corpo quando o Barão, vivido por John Barrymore (o único dos cinco a nunca ter sido indicado ao Oscar), tenta furtar as joias da dançarina. A prova do magnetismo que Greta Garbo (a única entre os indicados que nunca venceu o prêmio da Academia) exerce até hoje acontece nessa cena, em que a doida descobre o homem que queria roubar seus bens e vira amante e confidente.

O reflexo da crise de 1929 é mostrado nas negociações de uma fusão entre empresas do ramo têxtil. Wallace Berry é o diretor Preysing e Joan Crawford a bela estenografa. A atriz não dividiu qualquer cena com Greta Garbo, algo proposital para que uma grande estrela não ofuscasse outra. Talvez a parte menos interessante seja essa passagem da história. Apenas quando todo mundo se encontra em um baile no final do dia, é que a inserção da história de Preysing faz sentido. Ele é o chefe de Otto, que parecia estar saudável enquanto dançava com a estenografa - após árdua competição entre pretendentes. Só que ao ver o patrão e entender que sua exploração que o deixou doente abre-se a porta para umas das melhores cenas do filme.

Mesmo que a pessoa não goste de cinema antigo (um preconceito bobo, mas que infelizmente existe) ninguém pode alegar que Grand Hotel não seja simples de assistir, possuindo fluidez. Há excelentes cenas dramáticas, uma discussão sobre a moral de um ladrão (já que o Barão demonstra presença de escrúpulos quando desiste de mais um roubo) e a formação de uma interessante teia. Pode ser que o longa não se destaque em meio a tantos grandes filmes do mesmo gênero, bem como em meio a outros vencedores do Oscar de Melhor Filme (e a produção só foi indicada e venceu nessa categoria), mas tem seu valor. Tanto que no epílogo do filme, quando o porteiro reaparece falando do nascimento de seu filho, é que nos damos conta de que só se passaram dois dias de história.

Cinéfilos do mundo todo lamentam o fato do trailer original do longa ter se perdido. Porém, o grande destaque de uma sessão de Grand Hotel é a conclusão do personagem em "estado terminal", vivido por Lionel Barrymore (que não conto para não estragar). Coisas que ficam mais na memória. Coisas que fazem filmes como Grand Hotel, com o passar do tempo, virarem verdadeiros clássicos. Nota 7

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Cimarron (1931)

Estreia - 9/2/1931 (nos EUA) - Realmente o cinema americano estava engatinhando em 1931, mas já dava para perceber que eles nasceram com o dom de criar grandes espetáculos. A primeira versão de Cimarron é um reflexo da sociedade da época (pós-crack da Bolsa de Valores) e você percebe que os estereótipos de negros escravos e índios burros ou ladrões ainda estão lá, ainda sem uma preocupação com o politicamente correto. Dizem que a refilmagem de 1960 estrelada por Glenn Ford é superior. Ambos são adaptações de livro de Edna Ferber, autora de outras obras que se tornariam clássicos do cinema americano como O Barco do Amor, Assim Caminha da Humanidade e Jantar às Oito.

Em 1930 o estúdio desembolsou US$ 125 mil para comprar os diretos de Cimarron, um recorde absoluto na época. O longa foi o primeiro faroeste a vencer o Oscar na categoria Melhor Filme e divide essa honra com Os Imperdoáveis, já que a Academia passou ao largo do auge do gênero nos anos 1940 e 1950. Além dessa, o filme venceu nas categorias Roteiro Adaptado e Direção de Arte, sendo indicado em mais quatro categorias (Diretor – Wesley Ruggles, Ator – Richard Dix, Atriz – Irene Dunne e Fotografia). O problema é que eu não consigo gostar muito de filmes de faroeste, sendo raras as produções que me agradem por completo (exemplos óbvios: Butch Cassidy e Sundance Kid, Três Homens em Conflito, Rastros de Ódio e o não-tão-óbvio Onde Começa o Inferno). A primeira versão de Cimarron, porém, não me enche os olhos.

Não sei se é porque retrata uma sociedade altamente improdutiva, que só queria beber, andar de cavalo e sair dando tiro por aí. Eles não tinham teatro, biblioteca, nada. Não sei se a inserção de dramas no meio da ação deixa alguns filmes arrastados demais. Tudo bem que Cimarron mostra o poder de organização que aquelas pessoas tiveram. Sem ajuda do Governo nem nada, eles conseguiram montar suas cidades, definir suas leis e evoluírem (mas também eram bárbaros ao extremo, em alguns momentos). Só que eu acho essa coisa de Velho Oeste faroeste muito chata.

Algumas imperfeições são claras no filme, já que eles ainda estavam se acostumando com a chegada do som no cinema. Nas cenas em que tem trilha sonora esta é interrompida (não tem seqüência) entre um take e outro. Os atores fazem caras e bocas terríveis (não sei como o protagonista Richard Dix conseguiu ser indicado ao Oscar de Melhor Ator, em alguns momentos dramáticos parece que estou diante de uma comédia). O diretor Wesley Ruggles (que não sei porque não foi creditado) possuía larga experiência no cinema mudo com mais de oitenta trabalhos. Dez anos depois ele realizaria outro famoso faroeste, Arizona, com William Holden e Jean Arthur, já mais ambientado ao cinema falado.

O elenco é liderado por uma Irene Dunne no início de sua prestigiosa carreira – Cimarron é seu segundo longa e a primeira das cinco indicações que recebeu (todas como atriz principal, incluindo uma pelo clássico Cupido é Moleque Teimoso). Já Richard Dix naquele momento começava sua fase de estrela maior do estúdio RKO. Porém, com exatos cem trabalhos como ator em breves trinta anos de carreira, pouco se lembra hoje do astro.

Quando um período da narração sofre um salto sempre vem acompanhado de um “texto explicativo”, como se procedia com os filmes mudos. Os roteiristas deviam ser os mesmos, portanto, desacostumados com um texto só de falas. Todavia, as cenas de ação do início do filme são realmente impressionantes para a época. Demorou uma semana para ser filmada e contou com 5.000 figurantes e 28 câmeras, mostrando a mania de grandeza que Hollywood começava a desenvolver. Tem um “quê” de valor histórico, até meio documental, muito interessante, pois a história vai dos últimos vinte anos do século XIX até 1930 (um ano antes do lançamento do filme). Porém, algumas cenas são longas demais (externas eram luxo naquela época), o que faz o filme parecer uma peça de teatro em alguns momentos.

As mulheres têm papéis importantes. A prostituição é tratada diretamente, mas não é citada, por incrível que pareça. Tem que ter uma boa percepção, principalmente a geração de hoje que está acostumada com tudo mastigado. Porém, a presença feminina na política já é motivada por essa fita, de quase oitenta anos atrás – algo interessante, pois só em 2008 os EUA tiveram uma chance real de ver uma mulher como Presidente da República.

Mesmo com tanta pompa e vencendo o prêmio máximo do cinema, Cimarron gerou um prejuízo ao estúdio R.K.O. de US$ 5,5 milhões (o que pela atualização inflacionária equivaleria hoje a US$ 58 milhões). Até hoje é a única produção vencedora do Oscar de Melhor Filme a ter trazido prejuízo a seus realizadores, mesmo com excelentes críticas na época. Um reflexo da Grande Depressão, que detonou com o bolso do público norte-americano. Também foi o primeiro a ter alcançado o feito de obter indicações nas cinco categorias principais (Filme, Diretor, Ator, Atriz e Roteiro). Aliás, o único da R.K.O. a ter o prêmio máximo, já que o estúdio apenas distribuiu Os Melhores Anos de Nossas Vidas em 1946 (produção de Samuel Goldwyn).

Se julgasse o longa na sua época creio que este ganharia de 7 para cima. Mas, como eu tenho que tratar todos os filmes igualmente, minha nota é 5. Não consigo achar esse faroeste tão interessante. A nota pode parecer baixa para um vencedor do Oscar, mas é justa. Nota 5

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Sem Novidades No Front

Estreia - 15/09/1930 - Sem Novidades No Front se passa nas trincheiras alemãs em meio à interminável 1ª Guerra Mundial. O objetivo do roteiro adaptado do livro de Erich Maria Remarque (que foi cogitado para o papel do protagonista ao lado de Douglas Fairbanks Jr.) já se mostra claro na introdução ao filme: mostrar o grau de destruição e estupidez de uma guerra desse tamanho, extremamente cansativa e capaz de multiplicar o número de mortos em pouco tempo.

Por poucos minutos um grupo de moradores de uma cidade alemã parece feliz com a vida que leva, sendo o carteiro do local uma das pessoas mais populares, sempre sorrindo e tratando as pessoas de maneira cordial e amiga. Porém, a promessa (que sempre se repete nas guerras) de um conflito breve, que ajudaria muito o país, fez com que a Primeira Guerra Mundial conquistasse apoio popular em seu momento inicial (outra constante em conflitos deste porte). Sendo assim, milhares de jovens se alistam para a admiração das mulheres e desespero dos pais.

O diretor Lewis Milestone, em poucos minutos, dá essa visão geral, ampla, rápida e muito eficiente da história que pretende contar. A virada acontece quando o grupo de jovens alemães no qual Sem Novidades No Front focará começa seus treinamentos para irem para as trincheiras. O carteiro assume seu cargo de Oficial de alta patente que fica revoltado ao não conseguir angariar o respeito digno desta patente que carrega, deixando para trás os anos em que tratou aqueles jovens como iguais.

Milestone já contava com quinze produções em seu currículo e havia se destacado dois anos antes do lançamento de Sem Novidades no Front com os longas Two Arabian Knights (pelo qual venceria o prêmio de Melhor Diretor no primeiro ano do Oscar) e The Garden of Eden, ambos com a mesma temática. Sua investida em filmes de guerra foi muito bem sucedida já que Sem Novidades no Front foi o grande campeão do Oscar em 1931, levando os prêmios de Melhor Filme e justamente Melhor Diretor (com indicações para Roteiro e Fotografia). No ano seguinte o diretor seria lembrado por Última Hora. Destacar-se-ia mais ao final de sua carreira as produções Caminhada Sob o Sol (1945), a primeira versão de Onze Homens e Um Segredo (1960) e a segunda de O Grande Motim (1962).

O grande mérito de Lewis Milestone foi trazer um espetáculo visual pouco visto no cinema, mesmo oitenta anos depois do lançamento de Sem Novidades no Front, somada a uma mensagem direta e bem mandada, tanto que este é considerado um dos maiores filmes pacifistas de todos os tempos. Pegue como exemplo o treinamento pesado pelo qual passam os novos soldados. Quantas releituras foram feitas daquelas cenas no contexto de qualquer outra guerra posterior? Sendo gastos mais de um milhão de dólares (superprodução na época), as filmagens começaram poucos meses após o crack da bolsa de Nova York, atitude coragem da Universal, recompensada com o título de filme do ano.

Os momentos nas trincheiras e os tiroteios, com direção e produção muito bem realizadas, impressionam o espectador de hoje. O elenco parece familiarizado com o som, que ainda engatinhava no cinema à época (uma versão muda do longa seria exibida em circuito reservado no ano de 2003). O ambiente claustrofóbico que afeta a mente daqueles Oficiais, o pesadelo e inferno que viram suas vidas inserem o drama na batalha, mostrando a linguagem moderna na qual Sem Novidades no Front dialoga com quem o assiste. A direção é ousada, com a câmera no meio da ação (como Hollywood conseguia realizar coisas assim no final da década de 1920?) e as batalhas coreografadas (em cortes longos) utilizando mais de dois mil figurantes engana quem arrisca dizer que o longa é trinta ou até quarenta anos mais novo. A ausência de trilha sonora foi proposital para que o público prestasse ainda mais atenção no que estava querendo ser passado ali.

Mesmo no momento em que o roteiro separa um pouco do tempo para tratar dos reflexos da Guerra, como as mortes lentas e dolorosas e as amputações e mutilações sofridas por milhares de jovens, o ritmo do filme cai. Para quem gosta de cinema, bolei uma tese de que Sem Novidades no Front e Os Melhores Anos de Nossas Vidas (outro vencedor do Oscar de Melhor Filme, que será trazido ao blog daqui a alguns dias) se completam. O mais antigo trata de toda a fase pré e durante a Guerra se passando na IGG e o segundo mostra a volta para a casa das verdadeiras vítimas da IIGG.

Mas a pérola do roteiro é o contraponto entra as duas cenas ocorridas numa sala de aula. A primeira mostra o professor motivando aqueles jovens a irem lutar pelo seu país. A segunda mostra o mesmo professor convidando para algumas palavras o único que retorna para a casa (e que depois retornaria ao front), recebendo em troca um discurso de revolta, criticando duramente a maneira selvagem com a qual o homem deseja solucionar os problemas entre nações.

Destaco também a reflexão de um dos soldados em frente ao amigo morto, mostrando mais uma vez o peso e a grandeza do roteiro de Sem Novidades no Front. Passando por outros ambientes (como os raros momentos de diversão das tropas com bebidas e mulheres; e os hospitais improvisados, que são verdadeiras prévias do inferno) só faltava ao longa um epílogo seco e poético. E ele está lá. Sem dúvida é um dos filmes de guerra que mais me impressionou positivamente, se revelando um dos grandes destaques do gênero.

Pena que a Humanidade não entendeu a mensagem tão pertinente há oitenta anos, mas infelizmente tão atual. O maior exemplo é que quando Sem Novidades no Front estreou na própria Alemanha, os Nazistas interrompiam a projeção para inserir propagandas de sua Doutrina. Já o ator Lew Ayres, que pegou gosto pela mensagem anti-guerra, estrelaria outros filmes sobre o assunto. Tais filmes seriam banidos dos cinemas de Chicago no momento em que os Estados Unidos se preparavam para entrar na Segunda Guerra Mundial. Além disso, Sem Novidades no Front se encontrou banido na Itália até 1956. Nota 10

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Melodia na Broadway (1929)

Estreia – 1/2/1929 (nos EUA) – Melodia na Broadway é um dos filmes (se não for o filme) mais fraco a ter no currículo o título de vencedor do Oscar de Melhor Filme. Digo isso porque já li crítico de cinema especializado em Oscar admitir que o cinéfilo que nunca assistiu à produção laureada em 1930 não precisa se lamentar.

O principal mérito a ser registrado fica por conta de ser tal filme o primeiro musical totalmente falado – já que O Cantor de Jazz era um longa sem falas e algumas poucas canções. Melodia na Broadway também inaugurou o playback, quase sem querer. A cena de “Wedding of the Painted Doll” foi filmada originalmente em duas cores (em corte que se perdeu, o que faria da produção a primeira colorida a receber o prêmio máximo de Hollywood). Porém, a coreografia foi rejeitada pelo estúdio. Sendo assim, a cena foi filmada novamente, mas utilizando a gravação antiga. Nasceu o playback e foi essa a melhor coisa que aconteceu, já que o som das outras cenas deixa a desejar.

Melodia na Broadway, apesar de ser hoje um filme pouco visto, foi um estouro de bilheteria. Com ingressos à época custando 35 centavos de dólar conseguiu lucro acima de 4 milhões – o que dá mais de 11 milhões de bilhetes vendidos e mostra a enorme diferença do apelo do cinema no Brasil (onde Titanic, o filme que mais levou gente para a frente da tela grande, vendeu 18 milhões de ingressos) e Estados Unidos (que há oitenta anos atrás levava quase o mesmo número de pessoas para ver um filme).

O sucesso fez com que Melodia na Broadway virasse uma série, com produções em 1935, 1938 e 1940 – todas estreladas por Eleanor Powell, ao lado de Robert Taylor nos dois primeiros e Fred Astaire no terceiro. Todavia, o elenco do “longa de origem” está longe de ser inesquecível. O roteiro conta a história de Eddie, cantor e compositor que prepara uma música para um show da Broadway e convida sua noiva Hank e a irmã desta, Queenie (as Irmãs Mahoney) dupla de sucesso do outro lado do país, para interpretar a canção na Meca do teatro americano.

Eddie é interpretado por Charles King, que depois de fazer sete filmes nos primeiros cinco anos da carreira, abandonou o cinema e rodou o país fazendo shows. Morreu de pneumonia no meio da 2ª Guerra Mundial, que contraiu ao fazer uma de suas apresentações para entreter as tropas. A irmã mais nova, Queenie, é vivida por Anita Page, que faleceu ano passado aos 98 anos. Depois de realizar dezenas de filmes até os 25 anos, virou presença rara no cinema. Já Hank é interpretada por Bessie Love, que teve carreira mais ativa e terminou a carreira com 138 trabalhos entre cinema e televisão, sendo indicada ao Oscar de Melhor Atriz por esse filme.

O início do filme, mostrando uma espécie de academia de dança, lembra um pouco Fama. A imagem panorâmica de Nova Iorque, logo após os créditos, foi “copiada” em outras produções, como Amor, Sublime Amor. Porém, não creio que Melodia na Broadway tenha servido de inspiração para nenhum desses longas posteriores. Com canções simples, a maioria dos números de dança longe de serem grandiosas e o foco do roteiro no triângulo amoroso entre as Mahoney e Eddie pouco se aproveita da história.

O compositor sempre gostou de Hank e enxergava em Queenie uma criança. Mas, como todos sabem, as crianças crescem... Queenie se torna uma mulher mais bonita, talentosa e simpática que a irmã mais velha. Quando Hank é cortada do número musical, esta ainda precisa assistir Queenie, cheia de vida, experimentar o sucesso solo. Porém, em vez de amargurada, Hank se mostra uma pessoa totalmente compreensiva, sem o desejo de guardar qualquer rancor – mesmo vendo seu noivo dando em cima da irmã sem nem disfarçar e a ponto de proibir Queenie de sair com um bon-vivant que fica cortejando a moça.

No número musical que utiliza playback (apresentado de maneira totalmente avulsa – sem ligação com o restante do roteiro) ainda podemos perceber um esboço de grande musical. No restante do tempo o fã do gênero deve se interessar apenas pela primeira metade em que é mostrada várias fases da produção de um show: composição, escolha do elenco, roupas, cenários, coreografias, noite de estréia, repercussão, etc. Além disso, claro, Melodia na Broadway praticamente inaugura o gênero e merece um registro.

A MGM fez uma homenagem a uma figura da época e cutucou outra. O sobrenome do produtor do show, Zanfield, é uma clara referência a Ziegfeld, mentor de grandes Follies na Broadway da época e personagem de outro filme vencedor do Oscar de melhor filme (Ziegfeld, o Criador de Estrelas – muito melhor que Melodia na Broadway). Já o “vilão” recebeu o nome de Jock Warriner, referência a Jack L. Warner, “cabeça” da Warner Bros e grande concorrente da MGM naquele tempo (Melodia na Broadway foi o primeiro filme falado deste estúdio).

Ironicamente hoje quem detém os direitos do catálogo da MGM é justamente a Warner, que possibilita às novas gerações assistir até mesmo o filme que tirava sarro da ex-concorrente. O gênero musical evoluiu tanto que é normal que se conclua que é dispensável uma sessão desse Melodia na Broadway. Dispenso até o corte original, dez minutos mais longo. Nota 4

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Amor, Sublime Amor

Estreia - 25/12/1961 - Até hoje o musical mais premiado da Academia, com dez prêmios em onze indicações (só perdeu na categoria de roteiro adaptado, vencendo em filme, diretor, ator coadjuvante, atriz coadjuvante, direção de arte, fotografia, figurino, edição, trilha sonora e som) pode não ser o melhor musical de todos os tempos (pelo menos na minha opinião), mas é um clássico indiscutível. Essa adaptação da maior história de amor já contada, a obra-prima de Shakspeare, Romeu e Julieta foi o primeiro musical que saiu da Broadway para Hollywood e foi o primeiro filme co-dirigido a vencer na categoria melhor diretor do Oscar - feito igualado 46 anos depois pelos irmãos Coen em Onde os Fracos Não Têm Vez. Isso aconteceu porque Jerome Robbins foi demitido no meio das filmagens, com orçamento estourado e datas atrasadas, tendo completado 60% do trabalho.

Inicialmente contava a história do amor proibido de um garoto católico e uma garota judia, com o nome de East Side Story. Porém, devido à imigração porto-riquenha nos Estados Unidos na década de 1940, a trama sofreu uma adaptação e conta a história de uma gangue de ilegais daquele país e outra de poloneses. Suas canções se transformaram em sucessos absolutos e suas cenas de dança foram recebidas com muito entusiasmo pelo público tão acostumado a Fred Astaire e Gene Kelly. Volta e meia nos deparamos com regravações das principais músicas, principalmente a "trinca de ouro", apresentada em sequência no ápice de Amor, Sublime Amor: Maria, America e Tonight. A AFI colocou o longa na lista dos 100 melhores de todos os tempos duas vezes (veja a lista de 1997 clicando aqui e a de 2008 clicando aqui), o considerou o 3º maior romance do cinema americano (veja essa lista clicando aqui), e Somewhere (20º), America (35º) e Tonight (59º) três das cem maiores músicas do cinema americano (veja essa lista clicando aqui). Numa lista informal eu considerei esse o 13º melhor filme do século XX (veja minha lista clicando aqui).

Mas não podemos esquecer de Gee, Officer Krupke, a cena mais divertida e inteligente do longa; I Feel Pretty e, principalmente, Somewhere, que é amor em estado bruto. As duas primeiras formavam o epílogo da peça, mas o diretor Robert Wise optou por colocá-las no meio do filme, deixando a conclusão trágica ganhar contornos mais densos. Porém, o filme já conquista até os mais desconfiados na abertura, com aquele resumo instrumental de todas as canções que estão por vir, todas com acordes facilmente reconhecíveis. Além disso, a viagem da Nova York rica para a Nova York pobre, seguido pela mistura de balé e luta onde somos apresentados aos Jets e aos Sharks fazem o filme começar com um ritmo frenético, que só vai cair um pouquinho lá para o fim.

As coreografias são perfeitamente realizadas e se encaixam bem ao ambiente, mesmo nas cenas mais sombrias. Mas Amor, Sublime Amor não deixa de ser uma homenagem ao povo latino, que procura em Nova York uma vida melhor. Digo isso porque o preconceito parte de todos os moradores da cidade, inclusive o Oficial Krupke, responsável por manter a ordem em West Side. Curiosamente, outro grande romance, realizado quase quarenta anos depois, superou esse longa de 1961 ao ganhar onze Oscars e empatar com Ben-Hur como o maior vencedor de todos os tempos. E coincidentemente a dupla de protagonistas foi ignorada nos dois casos. Em Amor, Sublime Amor, Richard Beymer nos traz uma interpretação bem insossa, além de ter sido dublado nas cenas musicais - era Elvis Presley o mais cotado para o papel. Quem assistiu ao tele-filme Elvis sabe que os empresários do Rei do Rock preferiam que ele fizesse aqueles musicais inocentes, que estouravam na bilheteria e vendia muitos discos, do que colocar a marca de Elvis em mais um capítulo da história da cultura americana. Beymer, com 23 anos à época, nunca atingiu sucesso no cinema e até hoje faz ponta na televisão.

Já Natalie Wood (filha de imigrantes russos na vida real e que também foi dublada) tinha a mesma idade mas já era bem mais experiente, pois trabalhava desde criança e tinha sido indicada ao Oscar seis anos antes, por sua atuação ao lado de James Dean em Juventude Transviada. Audrey Hepburn não pode aceitar o papel porque estava grávida à época. O melhor do filme realmente está nas mãos dos coadjuvantes e Wood foi lembrada pela Academia no mesmo ano pelo filme Clamor do Sexo, com Warren Beatty. Quem venceu foi Sophia Loren, provavelmente um prêmio tardio, por sua atuação em Duas Mulheres. Wood ainda seria indicada mais uma vez, mas nunca venceria.

Voltando à produção de Amor, Sublime Amor, hoje fica bem claro que a grande maioria das cenas ocorre num palco com um cenário atrás, provavelmente pelas limitações técnicas da época. Mas por se tratar de uma excelente história e tão bem contada, isso nem é levado em conta, mesmo assistindo ao filme algumas vezes. O cantor que dublou Beymer no papel de Tony tem uma voz muito parecida com a de Johnny Mathis, talvez por isso esse artista volta e meia utilize o repertório do musical. Isso fica muito perceptível em Somethin's Come, outra bela música esquecida no meio de clássicos.

Para quem adora uma cena romântica, o primeiro encontro de Tony e Maria, após uma bela cena de tango, é linda e dá início justamente ao ponto alto do longa. Ao final de Tonight dá vontade de levantar e aplaudir o espetáculo que acabamos de presenciar. A conclusão trágica começa a se desenhar no meio do filme e se mostra inevitável quando Maria, ao mostrar a mania comum a todas as mulheres, complica tudo e pede que Tony acabe com a rixa marcada para aquela noite, um dia depois deles terem se conhecido. Nessa hora, outra cena que quase ia esquecendo de comentar surge: o falso casamento e as brincadeiras com os manequins da loja onde a moça trabalha, seguida da bela canção One Hand, One Heart.

A morte dos líderes dos Jets e dos Sharks contribui para que Amor, Sublime Amor seja disparado o musical mais sombrio da história do cinema. Mas tem um lado ruim, pois a partir desse ponto o ritmo cai um pouco. Além disso, o número de Cool, já com as gangues sem os carismáticos Bernardo (vencedor do Oscar) e Riff não é no mesmo nível do restante do filme, apesar de abrir alas para um final grandioso. Rita Moreno, outra vencedora, trabalha muito bem mas também é dublada em A Boy Like That. Quando Tony pensa que Maria está morta o brilho e a música some e a tragédia tem fim ao som de um Somewhere à capela.

Nas notas de produção descobre-se que os atores das duas gangues permaneciam divididos durante todo o tempo, para que a tensão entre eles fosse mantida. As filmagens demoraram seis meses e a pós-produção sete. Valeu a pena, já que Amor, Sublime Amor foi a segunda maior bilheteria de 1961 (perdendo para a versão animada de 101 Dálmatas, da Disney). Na França, o filme ficou em cartaz 249 semanas, ou seja, quase cinco anos. Por fim, algumas letras e falas do filme foram modificadas, retirando palavrões e expressões chulas para que a censura liberasse a história de Tony e Maria para o cinema. Falando em Maria, quatro anos depois Julie Andrews viveria outra inesquecível Maria, que também levaria o Oscar de melhor filme e tiraria a Fox do buraco. Mas essa é outra história... Nota 10.

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Aventuras de Tom Jones

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Estreia - 6/10/1963 (nos EUA) - Confesso que esperava um filme mais satírico e irônico e fiquei um pouco decepcionado com As Aventuras de Tom Jones. Isso porque o currículo dessa produção de 1963 é de dar inveja. Começando com Oscar, ele tem quatro - filme, diretor, roteiro e trilha sonora, com outras seis indicações - ator, direção de arte, ator coadjuvante e três para atriz coadjuvante (sendo o único da História com esse feito - e ainda conseguiu perder). Globo de Ouro foram dois: filme de comédia ou musical e ator revelação, com mais quatro indicações. Três prêmios BAFTA: filme, filme inglês e roteiro, com duas indicações para ator e uma para atriz. Isso sem contar com um Grammy e outras dezenas de prêmios.

Curiosamente o filme só foi lançado no Brasil 27 anos depois de sua exibição nos cinemas americanos e europeus. Como notas da produção é interessante lembrar que era apenas o terceiro filme de Albert Finney, que além de sua atuação em Tom Jones receberia mais quatro indicações ao Oscar (a última em 2001 por Erin Bronkovich). Ele não achou seu papel sério o suficiente e exigiu créditos como produtor para poder fazê-lo. Despois trocou esse crédito por uma participação nos lucros. Também temos a estréia de Lynn Redgrave, na época promisora atriz que seria indicada duas vezes pela Academia. O destaque negativo é o fato do ator Hugh Griffith ter passado quase todo o tempo das filmagens bêbado. E o fato curioso é que a cena mais engraçada do filme, o "banquete sexy" consumiu três horas de filmagens e muito improviso.

Com toda essa ficha era de se esperar um filme melhor, apesar dele não ser um fiasco. O início mudo, contando o nascimento de Tom Jones já não é muito engraçado. O garoto foi criado por um aristocrata e nunca soube quem era sua mãe. A trilha da Orquestra Sinfônica de Londres é boa e o diretor Tony Richardson fez um ótmo trabalho. A diferença do roteiro, aclamado pela crítica, é que o narrador interage com o espectador, como alguns personagens algumas vezes fazendo o mesmo. Isso faz com que uma história clássica seja contada de uma maneira não-convencional, formato copiado por Hollywood nas décadas seguintes. Uma edição fora dos padrões também se destaca, mas há aquela maneira européia de se contar uma história, num ritmo bem lento. Isso faz com que o filme seja meio esquisito, algumas cenas excessivamente demoradas, como aquela em que várias pessoas saem a caça de um veado.

Há técnicas de filmagens que hoje são bem comuns, mas eram a modernidade em pessoa na década de 1960, como o congelamento de tela e a imagem em câmera rápida ou lenta. Quando conseguem expulsar o mulherengo Tom Jones da corte e o filme chega na metade, ele melhora bastante, fica menos enjoado e se torna mais leve, com brigas, confusões, reviravoltas. Finalmente estamos diante de uma comédia. A história, como um todo, é interessante e a forma como Tom Jones descobre suas origens e tem que lutar por um amor entre classes diferentes é ótima. Mas a narrativa é muito arrastada e por vezes penso que estou só esperando chegarmos aos vinte minutos finais. Quando eles chegam não decepcionam, com direito a duelo de espadas e uma condenação à forca.

Nesse ponto a mensagem do roteiro é que cultivar inimigos ao longo da vida é um risco e quando há uma oportunidade de te derrubar, todos fazem uma forcinha. A reviravolta final, com a verdade sobra a mãe do personagem-título e os esforços para salvar Tom da forca combinam muito bem com a ótima canção tirada da cartola nos últimos momentos.

Em 1963 a Academia, tradicionalmente, ignorou o trabalho de Stanley Kubrick, que lançou Dr. Fantástico naquele ano. O maior diretor de todos os tempos faria melhor do que As Aventuras de Tom Jones em Barry Lyndon, apesar do clima mais carregado. Outro que viu esse filme apenas bom se consagrar na noite do Oscar foi Hitchcock, que dirigiu à época o clássico Os Pássaros. O sempre lembrado Billy Wilder apostaria todas as fichas em Irma La Douce, com os mesmos protagonistas do premiado Se Meu Apartamento Falasse. Já Cleópatra, apesar do fracasso de bilheteria, coseguiria uma indicação, mas a Academia parecia disposta a enviar a estatueta de melhor filme para o outro lado do Atlântico. Nota 7

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Amadeus

Estreia - 8/10/1984 - Eu me lembro que da primeira vez que assisti a Amadeus (já em DVD, pois o longa nunca frequentou a programação da TV), meu conhecimento sobre o diretor Milos Forman se resumia a Hair. Apesar do musical ter sido mais bem sucedido na Broadway do que na tela grande, me agradou muito a história sobre o grupo hippie que se opunha à Guerra do Vietnã. Agora, da segunda vez que vejo a biografia de Mozart - toda filmada em luz natural e também adaptada do teatro - já sabia desde o início que a nota seria 10, mas era necessário uma confirmação.

Apesar de ser um leigo em música clássica (o que é lamentável), tenho certeza absoluta que a trilha sonora não é menos do que magnífica, contando com as principais obras do maestro alemão. O compositor Maurice Jarre, falecido recentemente, levou o Oscar da categoria em 1985 por Passagem para Índia e chegou a brincar dizendo que foi sorte Amadeus não ter sido indicado ao prêmio (até porque nada na trilha foi composto para o filme). "Sobrou" para esse oito prêmios em onze indicações (filme, diretor, ator, roteiro adaptado, som, maquiagem, figurino e direção de arte), além de 4 Globos de Ouro, 4 BAFTAs e o César de filme estrangeiro .

F. Murray Abraham conduz o filme, que se preocupa em mostrar as duas caras de Salieri, dividido entre a inveja dos dons que não possuía (chegando a ter raiva de Deus por ter premiado outro homem com um dom que ele considerava divino) e a idolatria ao adversário. Tom Hulce é Mozart, amado por Deus (amadeus) em pessoa, que apesar da grande interpretação perdeu o Oscar para Abraham, em performance menos intensa mas igualmente perfeita. Você poderia ter visto no papel-título Kenneth Branagh (substituído por Forman que queria um elenco de atores americano), Mel Gibson e Mick Jagger (que chegaram a fazer testes) e até Walter Matthau (seria uma imposição do estúdio, desprezada por se tratar de um ator velho demais para o papel).

A primeira cena já mostra a tentativa de suicídio do velho Salieri, anos depois da morte de seu inimigo e o nome original do filme surge na tela - com o nome do roteirista Peter Shaffer - mostrando a visão um pouco indulgente, focando mais no compositor da corte austríaca do que no gênio Mozart. Porém, o próprio personagem de Abraham, nos primeiros minutos, mostra ao espectador a relevância do homem interpretado por Hulce na cultura moderna.

A vida de Salieri foi movida pela inveja já que este não se conformava que o homem mais talentoso que ele fosse menos dedicado, metido a conquistador, passando o dia enfrentando a nobreza e desacatando ordens que considerava injustas. Sem contar a risada esganiçada, resposável pelos momentos mais divertidos do filme. A ideia dessa risada foi tirada de cartas da época escritas por pessoas que conheciam o músico. Há ainda a excentricidade do homem que chegava a reger sua respeitada orquestra de peruca rosa. Entre outras características desprezíveis, Amadeus esbanjava mais dinheiro do que podia, mas era um gênio e não deixava de ser uma pessoa adorável (e, por que não?, incompreendida).

Milos Forman, que já tinha sido muito celebrado nove anos antes por Um Estranho no Ninho, só voltaria a receber aplausos doze anos depois, quando o polêmico O Povo Contra Larry Flynt venceu o Festival de Berlim. Aqui ele dá um show de direção, num filme que consegue ser ágil, apesar de ambientado no século XIX - muito por conta da curta duração das cenas de ópera. A maior, que mostra A Flauta Mágica, responsável pela popularização de Mozart, é também a mais caprichada e não dá chance para que os mais impacientes reclamem de cansaço.

Outro destaque é a maquiagem feita em F.Murray Abraham, quando Salieri conta sua história para um padre, de dentro de um hospício. O ator está irreconhecível. Mas o barato de Amadeus é conhecer mais sobre esse gênio, que morreu aos 35 anos e compunha tudo em sua cabeça, sem necessidade de rasurar nenhum trecho de partitura. Como ele desafiu os decretos imperiais e adaptou Figaro, peça teatral banida do reino. A forma como ele convencia o próprio Imperador, mostrando que o poder da arte supera qualquer tipo de censura. O próprio Mozart se considerava um homem vulgar de música sublime. E pagou um preço alto por ser autêntico e por quebrar tabus, inserindo balé nas suas óperas e compondo em alemão.

Quando o fantasma do pai começa a atormentar o artista, Salieri não poupa o inimigo e boicota as obras daquele, fazendo com que o jovem colecione fracassos. A segunda metade da produção foca nos últimos anos de Mozart, quando ele passou a ser um homem injustiçado. Sua morte já havia sido encomendada por Salieri, que pagou para que o próprio Mozart escrevesse seu réquiem. O que ainda deu uma sobrevida ao gênio foi quando ele abandonou esse serviço, já que ficou surtado com a presença do pai em seus pensamentos, passando a compor para o povo de Viena. Quando parecia que iria voltar ao topo, ele cai doente. Morre acreditando na amizade de Salieri, assim como Jesse James em Robert Ford. Ao ditar seu próprio réquiem, nos últimos momentos de vida, o espectador lamenta que Mozart tenha ido tão cedo e sem o devido conhecimento.

Sua experiência traria obras ainda mais espetaculares, mas nunca as ouviremos. Ainda foi enterrado de qualquer maneira, nos arredores do cidade. Restou a Salieri, que se auto-intitulou o campeão dos medíocres, chamar a atenção para o obra do gênio que ele matou e agradecer a Milos Forman e Peter Shaffer por hoje ser um nome conhecido, já que Mozart teve, além de tudo, uma história muito mais poderosa. A AFI em 1998 considerou este um dos cem maiores filmes do cinema americano em todos os tempos. Nota 10

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